La imagen artística es siempre una metonimia, donde una cosa es sustituida por otra, lo pequeño por lo mayor. Para hablar de lo que vive, el artista usa algo muerto; para hablar del infinito, muestra lo finito. Sustitución . . el infinito no puede convertirse en materia, pero es posible crear una ilusión del infinito: la imagen.
Andrei Tarkovsky, Sculpting in Time, 1986
Shaping Time reúne obra de tres artistas que exploran la relación del arte con el tiempo: Daniel Silvo, Javier Artero y Sophie Mackfall. Recopila una selección de piezas que varían de la pintura a la instalación, de la escultura al performance y de a la fotografía al video, las cuales narran historias sobre procesos de desplazamiento y asentamiento. Integra ideas sobre el traslado o viaje, la regeneración y la transformación de los mensajes que el arte contiene y nos transmite. Invita, por último, a reflexionar sobre la apreciación estética de la naturaleza, lo transitorio y discontinuo, la pérdida, el desvanecimiento, la contemplación y los procesos migratorios en el arte.
El título está inspirado en el libro de George Kubler ‘The Shape of Time’ (1962), quien utiliza metáforas biológicas en su interpretación del tiempo. Para el historiador del arte norteamericano, el tiempo, como la mente, no es cognoscible como tal. Tenemos acceso a su entendimiento únicamente de manera indirecta por lo que sucede en él. Para comprender al tiempo es necesario observar los procesos de cambio y permanencia. El tiempo histórico se entiende con base a la sucesión lineal de eventos, por lo que hay rupturas y espacios vacíos –los cuales últimamente conectan tales eventos. El tiempo biológico, en cambio, contiene eventos ininterrumpidos, estos se llaman ‘vidas’ –en vida, no hay rupturas ni vacíos. Partiendo de estas ideas, Kubler propone la interpretación del arte como un organismo autónomo, un sistema libre con sucesivas etapas de desarrollo.
Siguiendo tal asociación teórica, las piezas incluidas en Shaping Time aluden al desenvolvimiento de experiencias estéticas así como al desarrollo de eventos artísticos que nacen, crecen, mueren y renacen con/enel tiempo; contienen ecos y resonancias de mensajes inscritos a través de la intervención de la naturaleza y del tiempo en los procesos de producción plástica; presentan imágenes que se sirven de la metáfora para comprender y representar al universo; y comprueban la capacidad de la imagen en movimiento de suspender el tiempo.
La imagen que vemos en la galería nos conecta con una temporalidad pasada pero también nos hace pensar en el futuro: la posibilidad de que la lápida de mármol sea descubierta años después. La pieza de Silvo interpreta un entierro, pero también atestigua una conexión con la tierra y con la muerte. Se relaciona, por último, a la transformación, el resurgimiento y la regeneración.
Para la realización de Ass to the Wind, Sophie Mackfall intervino la pieza en colaboración con el viento, la lluvia, el sol y demás elementos del clima. Como Silvo, la artista se trasladó de su estudio a un espacio exterior, aliándose con la naturaleza y las condiciones climáticas en el proceso de la formación de la imagen artística. Tales elementos funcionaron como co-autores en la inscripción de mensajes estéticos.
La fotografía Ana Mendieta de Daniel Silvo, hace referencia a un proceso de viaje, traslado y abandono. El artista realiza un homenaje a la canónica artista cubana al producir una lápida de mármol con referencia a la pieza Señal de sangre / Huellas del cuerpo (1974). El objeto producido por Silvo reta las posibilidades de conservación y permanencia del video al traducirlo a escultura y trasladarlo a Marruecos para ser enterrado y abandonado. En una primera instancia, la fotografía que se presenta en la exposición se podría entender como la documentación del ejercicio del performance, el cual es previo y efímero, y el cual representa otro ejercicio que surgió incluso antes (el original de Ana Mendieta). Pero más que la prueba de un evento que fue y ya no existe –el recuerdo de lo que estuvo, pero que ya no está—, la fotografía se somete a un proceso de adaptación que depende del transcurso del tiempo, y, así, cobra una vida propia. En otras palabras, la evolución de la pieza se materializa en la transformación de diferentes formatos: escultura de mármol, performance, vídeo y fotografía.
Durante un tiempo determinado, el jardín privado de la artista se convirtió en su estudio de producción plástica. La pieza cobró forma a partir de los materiales pictóricos empleados por Mackfall, en conjunto con elementos externos que tienen que ver con las circunstancias climáticas londinenses. Estos elementos se escapan del campo creativo que se determina bajo el dominio de control por parte de la autora, Como banderas de oración budistas, la pieza carga una serie de mensajes que pertenecen al viento, al sol, a la lluvia y a la naturaleza. Ass to the Wind nos conecta con el exterior, con el paso del tiempo y con los movimientos sutiles y corporales de Mackfall llevados a cabo durante su proceso creativo. En combinación con el adicional contexto doméstico, la pieza conlleva los ecos de un evento pasado entendido como una especie de ritual artístico, donde el tiempo fabricó y moldeó la obra final presentada en la galería.
Las fotografías Shooting Stars de Daniel Silvo pertenecen a un periodo de producción temprano en la carrera del artista. Colocadas junto con obra más reciente, la exposición pone en diálogo dos temporalidades creativas en cuanto al viaje personal y profesional del artista. En esta pieza, Silvo hace uso de la metáfora para comunicar cuestiones referentes al universo, con relación a lo artificial y lo natural. Las imágenes aluden al cosmos, a las estrellas y constelaciones, a los gases y nebulosas. Pero, si miramos los detalles, y escuchamos los mensajes contenidos en tales imágenes, nos enteramos de que en realidad se trata de esferas de poliestireno tiradas sobre el suelo de un parking subterráneo. Estas, por la acción de un flash de cámara, se transforman en estrellas y constelaciones, mientras las manchas de aceite y gasolina simulan nebulosas y gases.
Por último, Javier Artero se une al discurso expositivo con el video titulado Never Odd or Even, la cual también se refiere al paisaje y la naturaleza. Esta pieza da la impresión de comunicarnos un mensaje que viene del paisaje marítimo, el cual se trasmite y transporta a un escenario virtual e imaginario. Artero representa la suspensión del tiempo a través de la imagen de dos banderas de colores rojo y verde, colocadas una al lado de la otra, las cuales ondulan en direcciones contrarias al mismo tiempo. El artista explica que la pieza recurre a banderas por sus evidentes connotaciones socio políticas, para abordar conceptos en torno a lo antagónico y la resistencia. La pieza nos exige que la miremos con paciencia, que la contemplemos y tomemos tiempo para darnos cuenta de que atestigua una contradicción: el artista nos ubica frente a lo imposible –un proceso que es al mismo tiempo cambio y permanencia. Las banderas ondean en direcciones convergentes debido a un proceso de manipulación digital del registro videográfico original –una de las banderas fue copiada a manera de reflejo en el mismo plano visual. Artero finalmente representa y hace posible lo imposible.
El tiempo, en Shaping Time, no solo se utiliza como tema de representación plástica, también se explora como método de producción creativo, y mecanismo activo que transforma y propicia el desarrollo del objeto artístico, transportándolo a diferentes tiempos y contextos, y cargándolo, finalmente, con nuevos mensajes, y nuevos significados. La muestra nos pide que nos detengamos a pensar en la información que se almacena, evoluciona y transmite a través del arte. Nos pide que escuchemos los mensajes que persisten y perecen, sobreviven y se pierden, evolucionan y se extinguen, en las vidas de la naturaleza y del arte.
Paula López Zambrano
Vistas de la Exposición
Obras
